Escape from L.A.

Difficile de donner une suite à un film « culte » tel que New York 1997 (1981), mais John Carpenter s’en est plutôt bien tiré avec Escape From L.A. (en France : Los Angeles 2013), sorti en 1996.

Attention, je raconte le film

À première vue, il ne s’agit que d’un remake du film précédent, puisque le scénario est, mutatis mutandis, identique : héros déchu, Snake Plissken doit se rendre dans une zone carcérale géante (cette fois, Los Angeles, devenue une île à la suite d’un séisme majeur) pour y récupérer non plus un président, mais sa fille, qui a emmené avec elle une mallette contenant un objet stratégique. Comme dans le film précédent, il sera amené dans une arène pour être exécuté dans une parodie de jeux romains et comme dans le film précédent, il sera blessé d’un coup de feu à la jambe — c’est dire à quel point les similitudes sont nombreuses.

Pendant la campagne présidentielle, un candidat ultra-religieux, a prédit que, en l’an 2000, la ville de Los Angeles, cité du péché, serait détruite par une punition divine. Et effectivement, en 2000, un séisme d’une magnitude de 9,6 détruit une partie de la ville et fait disparaître la San Fernando Valley, devenue « mer San Fernando ».
Le candidat-prophète se voit alors investi des pleins pouvoirs et devient président à vie. La capitale du pays n’est plus Washington mais sa ville natale, Lynchburg, en Virginie.
Il décrète que ce qui reste de Los Angeles devient un lieu d’exil définitif pour toutes les personnes qui ont refusé la rédemption par la chaise électrique alors qu’ils n’ont plus leur place dans son Amérique « morale » : criminels, prostituées, mais aussi athées.

La fille du président des États-Unis, dont les opinions politiques sont à l’opposé de celles de son père, s’est réfugiée à Los Angeles où elle a apporté une mystérieuse mallette à Cuervo Jones, redoutable chef de gang déguisé en Che Guevara et qu’elle a connu dans un monde virtuel.
La malette contient en fait l’arme la plus puissante de la terre, une télécommande de satellites qui permet de perturber les appareils électriques n’importe où dans le monde, avec une précision extrême, grâce à une impulsion électromagnétique (cf. définitions).

Snake Plissken est réquisitionné, à nouveau contre son gré. Cette fois, on ne le menace pas avec une capsule de poison censée s’ouvrir à une heure précise, mais avec du Plutoxin 7, un virus créé artificiellement. Si il n’est pas soigné dans les dix heures après le début de l’infection, il mourra. Plissken essaie d’étrangler le président, qui était venu lui expliquer tout ça, mais cela s’avère impossible : l’homme n’est pas présent dans la pièce mais représenté par un hologramme, tout comme le commandant Malloy, qui dirige l’enceinte de confinement de Los Angeles. Avant son départ on explique à Plissken qu’il doit, au passage, tuer la fille du président, à la demande de ce dernier.

Envoyé à l’aide d’un sous-marin/torpille, le guerrier borgne débarque à Los Angeles. Il y fait la connaissance d’un surfer qui attend le tsunami, de Taslima, une musulmane envoyée en exil lorsque sa religion a été interdite, et enfin du guide des stars Eddie (le toujours excellent Steve Buscemi). À peine arrivé, Plissken est capturé, avec Taslima, par le personnel de la clinique de chirurgie esthétique de Beverley Hills, où l’on veut lui prendre son œil valide. Cette clinique délirante est un bon indice de ce que le film sert notamment à railler le monde hollywoodien. De nombreux détails nous ramènent à l’histoire américaine récente : lutte contre le tabac, affaire Rodney King,…

Enfin, Snake Plissken trouve Cuervo, mais aussi Utopia, la fille du président. Il est capturé. Cuervo affirme défendre le tiers-monde et les opprimés de la théocratie américaine, mais il ne vaut pas mieux que ses ennemis, ce qu’a rapidement compris la malheureuse Utopia, devenue l’animal de compagnie de cet homme assoiffé de pouvoir. Assisté par un informaticien, Cuervo contrôle les satellites et annonce par voie de télévision son intention de les utiliser. Le président décide de rayer Los Angeles de la carte, mais on lui fait comprendre que ça ne fonctionnera pas, car Cuervo a désormais le pouvoir de faire tomber en panne n’importe quel appareil, avion compris.

De son côté, Plissken est utilisé comme attraction. Dans un stade rempli de renégats, on lui confie un ballon de basket et l’obligation de marquer un panier toutes les dix secondes. S’il n’y arrive pas, il sera exécuté. Mais Snake est très fort et réussit l’exploit que personne d’autre n’avait réussi avant lui. Il est acclamé par la foule, alors Cuervo se saisit d’un fusil à lunette est essaie d’abattre le héros. Utopia et une secousse sismique parviennent à gêner le tireur et Snake s’enfuit. Dans la confusion qui règne, il parvient même à emmener avec lui la valise stratégique et la fille du président, mais pas pour longtemps car Eddie le guide des stars, fidèle à Cuervo, le dépossède et lui tire une balle dans la cuisse.

Snake, laissé pour mort, est emmené par le courant des égouts et retrouve le surfer qu’il avait rencontré en arrivant. Celui-ci lui annonce qu’un tsunami arrive et lui propose de surfer avec lui, ce qui permet à Plissken de rattrapper Eddie le guide des stars et de le forcer à lui présenter la pire ennemie de Cuervo, Hershe Las Palmas (Pam Grier), un transsexuel qui s’avère avoir été Carjack Malone, un ancien associé de Plissken avec qui ce dernier à un compte à régler. Finalement, Hershe et sa bande s’associent à Plissken pour aller combattre Cuervo. Ils y parviennent à l’aide d’ailes volantes et s’enfuient dans un hélicoptère, mais une roquette envoyée par Cuervo fait tomber Eddie et tue Hershe et ses compagnons. Ne restent plus qu’Utopia et Plissken.

Avant que son hélicoptère ne s’écrase, Plissken en éjecte Utopia, car il sait qu’elle se fera assassiner par son père sinon. Il prend soin de glisser sur elle, à son insu, le module de commande des satellites. Lorsqu’il se présente devant le président des États-Unis, Plissken n’a plus que deux secondes de temps à vivre, puis une, puis zéro,… Mais il ne meurt pas : le virus n’est en fait qu’une sorte de grippe. Alors que le président s’apprête à prendre le module de commande à Plissken, sa fille est découverte, détentrice du bon module de commande. Enfin c’est ce qu’il croit car lorsqu’il s’en sert pour neutraliser les navires cubains qui approchent de Miami dans l’attention d’attaquer les États-Unis, il découvre que le module est en fait le guide touristique vocal d’Eddie.

Le président ordonne l’exécution de sa fille sur une chaise électrique et demande qu’on fusille Plissken, sous le regard des caméras. Mais surprise, Plissken n’est pas atteint par les balles, et pour cause, il ne se toruve pas là où l’on croit, c’est un hologramme qui parle à sa place. Il explique qu’il va saisir le code 666 sur le module de commande, ce qui provoquera l’extinction de tous les appareils électroniques de la terre. « Si tu appuies sur ce bouton, nous perdrons tout ce qui a été accompli en cinq cent ans », lui dit le commandant Malloy… Et Plissken appuie sur le bouton, les satellites se mettent en branle et la terre entière se retrouve « éteinte ».
Dans le noir, la voix de Plissken résume : « Welcome to the human race ».

Cette fin un peu « luddite », qui semble affirmer que la technologie éloigne l’homme de sa véritable nature, est plutôt savoureuse et peut faire réfléchir à ce qui se passe ensuite : plus rien d’électrique ne fonctionne, et après, que devenons-nous ? Le film contient de nombreux éléments bouffons (les surfers, les chirurgiens esthétiques, le basket ball,…) mais on s’étonnera rétrospectivement de sa prescience puisqu’il annonçait avec quatre ans d’avance l’élection d’un président ultra-religieux, que l’on voit même à un moment s’enfuir en disant « je dois aller prier », ce qui rappellera les pratiques de prières gouvernementales sous l’administration Bush. Il évoque aussi la mise au ban des athées et des musulmans ou encore la revanche du tiers-monde contre les États-Unis.

En mixant Los Angeles 2013 et Starship Troopers (Paul Verhoeven), sorti peu après, on obtient un portrait prémonitoire assez convaincant des années Bush. Ces deux films fonctionnent un peu comme l’oracle des Sybilles ou de la Pythie : ce n’est qu’une fois la prédiction réalisée que l’on est en mesure d’en saisir toute la pertinence.

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Malevil

Je n’ai pas lu le roman Malevil (1972), de Robert Merle, et j’ignore donc ce que l’auteur a reproché à l’adaptation cinématographique de son roman, réalisée par Christian de Chalonge en 1981. Reste que Robert Merle a exigé que son nom n’apparaisse pas au générique de ce film que je trouve pour ma part assez réussi et doté d’une distribution intéressante, avec notamment Michel Serrault, Jacques Dutronc, Jean-Louis Trintignant et Jacques Villeret.

L’histoire débute dans une cave où le maire du village de Malevil et quelques uns de ses administrés discutent de l’emplacement des futurs éclairages publics en buvant un coup. Et puis subitement, une lumière intense perce sous la porte, suivie de bruit, de souffle,… On ignore quel genre de catastrophe vient de se produire, on pense à une explosion atomique. Lorsqu’ils sortent, c’est pour trouver un paysage dévasté, où neige de la cendre. La configuration particulière du lieu, un petit château à flanc de rocher, fait que toute vie n’a pas disparu : un métayer a survécu, mais aussi une truie, ses gorets, une vache et une jument.

Aussitôt, chacun se met au travail : enterrer les morts calcinés, retourner la terre,… Peu à peu d’autres survivants se font connaître, notamment une jeune fille devenue aveugle à cause de l’explosion, et des vagabonds affamés. Au fil des mois, la vie s’organise et l’espoir revient : le blé pousse, notamment. Le vrai problème de survie devient la confrontation aux autres : les affamés qu’il faut faire fuir, mais aussi un groupe d’hommes et de femmes qui ont survécu à la catastrophe car ils se trouvaient dans un train, sous un tunnel, au moment de l’explosion. Ceux-ci sont dirigés par un illuminé, qui se fait appeler « le directeur » et par son bras-droit, qui se fait appeler « le commandant », deux hommes autoritaires qui abusent de leur pouvoir, notamment au détriment des femmes.

Sans raconter toute l’histoire, la réussite du film tient peut-être dans sa toute fin : des hélicoptères bruyants dans lesquels se trouvent des hommes en combinaison anti-radioactive apparaissent subitement dans le ciel. Il s’agit d’un groupe d’intervention venu récolter les survivants pour les emmener dans un lieu de décontamination. On apprend au passage que les zones contaminées sont déclarées inhabitables et serviront désormais de lieu d’expérimentation scientifique. Sauf trois d’entre eux qui partent sur un radeau, les survivants sont forcés d’abandonner sur place tout ce qu’ils ont construit, mais aussi leurs bêtes. On sent que l’aventure de ces hommes et de ces femmes qui ont lutté pour conserver leur humanité est terminée et que les survivants sont désormais des sujets administratifs, placés sous la protection (ou à la merci) des militaires, lesquels sont sans doute aussi les responsables de la catastrophe.

Les décors sont très réussis. Le contraste entre un Sud-Ouest riant et vert avant l’explosion, et un tas de ruines et de cendres après l’explosion, est assez frappant. Les acteurs sont plutôt à leur place, notamment Michel Serrault, en maire sage, et Jean-Louis Trintignant, en gourou autoritaire, qui incarnent deux figures opposées du pouvoir, l’une légitime, et l’autre illégitime. Les scènes d’action (le maire de Malevil rampant dans sa cave,…) fonctionnent un peu moins bien mais l’ensemble donne un film à l’ambiance oppressante, parfaitement en phase avec les angoisses de son époque. Curieusement, ce classique du genre post-catastrophe n’a pas été édité en DVD en France, j’ai du m’en procurer une édition allemande.

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Illustrations post-apocalyptiques : Kiev Jankowski

Kiev Jankowski est un très jeune créateur puisqu’il est âgé de vingt-deux ans.
Il a découvert Photoshop sur Internet et l’a pratiqué en complet autodidacte pendant son adolescence.

Il est titulaire d’un baccalauréat Artisanat et Métiers d’art option communication graphique au lycée Saint-Vincent-de-Paul au Havre. Cette formation lui a avant tout appris à sortir d’un esprit purement amateur et à s’organiser.

C’est à cette époque qu’il a découvert l’existence du matte Painting et qu’il a décidé d’en faire sa voie professionnelle.
Aujourd’hui, il utilise surtout Photoshop, Google Sketchup et Cinema 4D.

Il travaille en indépendant, il réalise des travaux visuels divers (pochette d’album, calendrier, tee-shirts,…) et il participe à des projets dans le domaine de l’illustration de livres ou du jeu vidéo.

Il a travaillé pour les décors du générique de l’émission Secret Story 4. Il est par ailleurs musicien, et très impliqué dans un groupe, mais il songe à reprendre des études supérieures, dans le domaine des effets spéciaux ou du jeu vidéo, toujours pour faire du matte painting.

On peut en voir plus sur son site Internet.
Son traitement de la couleur me rappelle les illustrations de Tibor Csernus.

Je lui ai demandé ce qui lui plaisait dans les représentations apocalyptiques, particulièrement présentes dans sa production. Voici sa réponse :

« J’ai toujours été fan de l’univers de la destruction, surtout dans les films. J’aime composer un environnement puis le détruire, transformer l’univers, me servir de mes nombreux brush, et j’aime aussi particulièrement travailler la fumée. Il y a tellement de possiblités, d’ambiances, d’images que l’on peut donner à l’apocalypse ! Je trouve ca très excitant et créer tout en écoutant une bonne BO de film, il y a rien de mieux pour stimuler ma motivation et mon inspiration. » 

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L’Armée des douze Suisses

En l’an 2080, la Suisse a bien changé, le pays est dévasté, le palais fédéral est en ruines et il faut à chaque instant lutter pour survivre.

Un couple de gens jeunes et beaux a du mal à vivre son amour dans ce contexte : « nous sommes perdus », dit la demoiselle. Le jeune homme doit retourner dans le passé pour sauver l’humanité.

Celui qui l’envoie lui explique sa mission : il doit se rendre en l’année 2011 et voter.
Pour les verts.

Ce petit film publicitaire, qui rappelle le scénario de l’Armée des douze singes, est très intéressant. Il utilise une vision du futur pour faire réfléchir au présent. La science-fiction a toujours été l’affirmation que le futur était une chose ouverte, qui dépend de ce qu’on fera, à l’inverse des sectes évangélistes millénaristes qui considèrent que tout est écrit par avance et que les questions écologistes sont sans importance, puisque l’heure de l’Apocalypse est imminente.

(merci à Alexandre Garcia pour la trouvaille)

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Statue de la liberté

La Statue de la Liberté, créée pour célébrer le centenaire de l’indépendance des États-Unis, est un des monuments les plus célèbres du monde.
Au cinéma, on la retrouve régulièrement submergé par des eaux, détruite, décapitée,…
On pourrait faire une page assez similaire avec la Tour Eiffel, mais la symbolique n’est pas la même. Dans un film américain, montrer la Tour Eiffel détruite est un moyen pour signifier que le désastre (invasion extra-terrestre par exemple) touche tous les pays du monde.
La Statue de la Liberté symbolise beaucoup plus de choses : la modernité américaine de la fin du XIXe siècle, la liberté ou encore l’espoir des immigrants. Et puis c’est une figure humaine. Maltraiter la Statue de la Liberté, c’est rappeler la vanité du génie humain, des certitudes de la civilisation américaine et, plus généralement, du monde moderne.

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De haut en bas : Déluge (1933), les revues Astounding (février 1943, ill. Hubert Rogers), Fantastic Universe (août 1953, ill. Alex Schomburg) et Amazing (1964, ill. Alex Schomburg) ; La Planète des Singes (1968) ; La Cité des eaux mouvantes, par Mézières et Christin, 1968 ; la bande dessinée Kamandi (1972), par Jack Kirby ; Escape from New York1(1981) ; Judge Dredd (1995) ; Independance Day (1996) ; Deep Impact (1997) ; A.I.: Artificial Intelligence (2001) ; The day after tomorrow (2004) ; Cloverfield (2008) ; Life After People (2009) ; Oblivion (2013) ; et enfin deux illustrations de Steve McGhee.

On trouve aussi la statue de Frédéric Bartholdi dans Wall-E, 2012 et Skyline, entre autres. J’ai trouvé une liste sur Wikipédia, mais à mon avis elle est incomplète.
Lire aussi :  Archéologie de la statue de la Liberté en ruine, par Patrick Peccatte.

  1. À noter, la statue de la Liberté n’apparaît pas détruite dans Escape From New York mais se trouve dans cet état sur certaines affiches du film et sur la pochette de la bande originale. [↩]
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Sigur Rós – Untitled

Untitled (Vaka), par les islandais Sigur Rós.
Le clip est réalisé par Floria Sigismondi.

Existe aussi en version Youtube.

Signalé par Poulpy.

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5:56 am

5:56am, par Olivier Campagne et Vivien Balzi / ArtFactoryLab

Musique Brice Tillet.

(remarqué par Coyau)

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Röyksopp : The Drug

Clip de The Drug (2010), de Röyksopp.
Réalisé par That Go.

Si cette version ne fonctionne pas, vous pouvez aller voir la version Youtube en cliquant ici.
J’avais parlé de ce clip ici.

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Massive Attack : Splitting the atom

Le clip de Splitting the atom (2009), pour le groupe Massive Attack.

Le réalisateur est Édouard Salier.
Si le visionnage ne fonctionne pas à ce format, on peut aller voir la version qui se trouve sur le site Youtube.

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Escape from New York

En 1988, le taux de criminalité aux US a augmenté de 400% et l’Île de Manhattan a été transformée en prison géante où les détenus, livrés à eux-mêmes, font leur propre loi. Le récit de Escape From New York (Connu en France sous le titre New York 1997) commence en 1997 : une terroriste a pris le contrôle d’Air Force One, l’avion du président des États-Unis, et percute intentionnellement un immeuble de Manhattan, « au nom des travailleurs et de tous ceux qui sont opprimés par ce pays impérialiste et son état policier raciste ».

Je me demande combien de fois Oussama Ben Laden a visionné New York 1997.
Tout l’équipage de l’avion meurt, à l’exception du président (Donald Pleasance), qui a été éjecté dans un petit module blindé juste avant le crash. Il a sur lui un dispositif de localisation et a dans la main une mallette, reliée à son poignet par des menottes.
Les autorités cherchent à récupérer le président, mais elles se heurtent au « Duke » (l’immense musicien Isaac Hayes), qui détient le « commander in chief » et qui ne le rendra pas, ou en tout cas pas vivant, tant qu’il n’aura pas trouvé comment exploiter la situation. Snake Plissken (Kurt Russell), héros décoré de la troisième guerre mondiale mais dégoûté des ruses des politiciens est devenu criminel : il est censé être emprisonné à Manhattan lui aussi.

Hauk (Lee Van Cleef), le responsable de la sécurité, lui propose un marché : les charges qui pèsent contre lui sont abandonnées s’il se rend sur l’ïle pour récupérer le président. Pour le convaincre de ne pas s’enfuir — car Plissken ne se sent pas concerné et a le plus grand mépris pour les politiciens —, on lui injecte dans une artère une capsule de poison qui s’ouvrira automatiquement au bout de vingt-trois heures.
Plissken arrive à Manhattan en atterrissant en planeur sur le toit d’une des tours du World Trade Center. Il lui reste un peu moins d’une journée pour trouver le président, le récupérer et récupérer sa mallette, qui contient une cassette audio, malgré les fous dangereux qui patrouillent dans les rues et malgré le « Duke of New York » et ses sujets. S’il a si peu de temps, c’est que le président doit absolument participer à une conférence très importante « pour la survie de la race humaine », car le monde est en guerre et il doit communiquer des informations capitales pour tout arrêter.

Puisque Plissken est très célèbre, il trouve plusieurs personnes pour l’aider : le chauffeur de taxi « Cabbie » (Ernest Borgnine), un dénommé « Brain » (Harry Dean Stanton), qui a pris ses quartiers dans la New York Public Library avec sa compagne Maggie (Adrienne Barbeau). Je n’en raconte pas plus.

Escape from New York (1981) est un film « culte », comme on dit. Il a inspiré des films (Banlieue 13), des Jeux vidéo (récemment Enslaved, mais le film fonctionne comme de nombreux jeux actuels : le héros a un temps limité pour accomplir une mission en territoire hostile),… La musique et certains décors peints sont du réalisateur, John Carpenter, dont c’est à mon goût le meilleur film, à égalité avec They Live (1988).

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Le jour de la bête

Angel est un prêtre et un théologien. Il a passé vingt-cinq ans de sa vie à étudier l’Apocalypse de Jean et en tire la conclusion qu’il s’agit d’un cryptogramme, d’un message codé qui révèle la date de la fin du monde.

Et la date, c’est le 25 décembre 1995, c’est à dire le soir même de son arrivé à Madrid où, pense-t-il, l’antéchrist va naître — de nombreux signes annoncent que ce sera dans cette ville. Mais où exactement ? Pour le savoir, Angel cherche à trouver des intermédiaires capables de l’aider à rencontrer le diable : un charlatan qui anime un talk-show d’occultisme, Cavan, et un disquaire spécialisé dans le hard-rock, José Maria.

Il s’efforce par ailleurs de devenir un pêcheur, en faisant le mal dès qu’il en a la possibilité, et notamment en insultant un blessé qui lui demandait de l’aide ou en commettant des vols. Il s’efforce très consciencieusement de faire le mal et compte bien sauver l’humanité de l’apocalypse, en tuant l’antéchrist. Et il n’est pas fou.

Le jour de la bête (El Día de la bestia, 1995), réalisé par Álex de la Iglesia, contient beaucoup de détails assez savoureux, dont une satire de la télévision. On remarque par exemple dans les studios un grand portrait de Sylvio Berlusconi — image qui n’est pas expliquée mais qui est montrée de manière assez insistante.

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